por Camille Searle
El arte en Nueva York nunca es solo arte. Es infraestructura, bienes raíces, aspiración y supervivencia disfrazada de estética. Es la colección permanente del MoMA, claro, con su peregrinaje de turistas mirando el campo de trigo sin oreja de Van Gogh como si fuera un portal hacia la cultura misma. Es la Gala del Met, un circo ambulante de excesos que por un instante convence al mundo de que la moda todavía es subversiva. Es el Lincoln Center, donde se canta ópera para unos pocos elegidos que pueden pagar la entrada o conocen a alguien que puede. Es la Bienal del Whitney, un índice de quién está dentro y quién ya está fuera. Todo eso importa, no se puede descartar como simple distracción burguesa. Las instituciones estabilizan el sentido, incluso si lo hacen a través de muros de donantes y fondos bautizados con nombres de bancos de inversión. Ignorarlas sería fingir que el marco no importa. Y en Nueva York, muchas veces, el marco eclipsa a la obra.
Pero Nueva York también son las ruinas del CBGB, un lugar que hoy sobrevive solo como mito, un vacío mercantilizado dentro del palacio de la memoria del punk. Puedes comprar una camiseta con su logo sin haber pisado jamás el Bowery, y aun así no habrías llegado tarde a la fiesta. Las mitologías del downtown se conservan en ámbar por quienes nunca enfrentaron cucarachas, vómito o un escenario que se venía abajo. La calle ya no te dice nada; la historia está curada por caseros, guías turísticos y custodios de la nostalgia. Lo que alguna vez fue arte por accidente hoy es marca por diseño. Sin embargo, esa vida póstuma todavía pesa, porque el mito sigue estructurando el deseo. Jóvenes con guitarras en Bushwick todavía persiguen al CBGB sin darse cuenta del cementerio en el que ensayan.
Brooklyn, mientras tanto, es una galería que nadie pidió, cubierta de murales que la gentrificación encarga para demostrar buen gusto. Cada condominio nuevo tiene una “pared artística” para suavizar la renta. Lo que antes pertenecía a las latas de aerosol y a las crews nocturnas ahora llega preaprobado, un festival de murales con patrocinios de marcas y hashtags de Instagram. Aun así, de vez en cuando, doblas una esquina y aparece algo no autorizado, un rostro o un lema en un ladrillo, una intervención que resiste la paleta cortés del grafiti artesanal. Eso también es arte, y todavía sorprende, incluso si la sorpresa se absorbe rápidamente en cafeterías de barrio con listas musicales curadas. En Nueva York, el ciclo de resistencia y absorción ocurre a la velocidad de la luz, más rápido que el secado de la pintura.
Está también el hip hop, alguna vez condenado como ruido criminal del Bronx, ahora empaquetado como identidad global lista para ser consumida. Puedes subirte a un autobús turístico para ver dónde empezó todo, un ritual que sanitiza lo que antes se consideraba una enfermedad. La misoginia incrustada en sus letras y la violencia codificada en sus ritmos no desaparecieron, pero se reempaquetaron como autenticidad. Las corporaciones lo venden al mundo como liberación y Nueva York se lo revende a sí misma como patrimonio. El arte de sobrevivir convertido en la supervivencia del arte, curado por listas de Spotify y exposiciones de museo. En algún lugar hay una placa que marca el nacimiento del rap, como si el rap fuera una estatua y no una fuerza.
Pero el arte en Nueva York no es solo monumental, no es solo historia convertida en marca. Es también el chelista en la estación Delancey, tocando contra el rugido del tren F. Es el poeta dominicano que imprime folletos a mano y los vende frente a la biblioteca St. Nicholas. Es la bailarina ensayando en un parque de Queens antes de ir a su turno de camarera. Es el comediante probando chistes ante seis borrachos en un sótano que huele a moho. Es el pintor que comparte un departamento de una habitación con tres compañeros porque el estudio es impagable, pero que aún pinta, porque dejar de pintar sería dejar de existir. Estas formas no aparecen en los folletos, pero no son menos el pulso de la ciudad. Si acaso, son su médula.
La antropología del arte en Nueva York es la antropología de la contradicción. Vivir aquí es creer al mismo tiempo en el museo como catedral y en la acera como escenario. Es entender que la ópera importa y también importa el grafiti. Que la espiral del Guggenheim tiene sentido, y también el cartel dibujado a mano frente a una lavandería de Queens que, de alguna manera, logra ser arte sin proponérselo. Cada inmigrante que borda, cada adolescente que garabatea en el reverso de un recibo de bodega, cada músico de jazz en un bar de Harlem está produciendo sentido. Parte se curará, la mayoría no. La verdad antropológica es que el arte aquí no depende de lo que sobrevive en las instituciones, sino de lo que insiste en existir a pesar de ellas.
Aun así, las instituciones ejercen gravedad. Los turistas vuelan para ver a Klimt o a Basquiat, no al músico callejero de Union Square. Los multimillonarios invierten en colecciones, no en ventas de garaje. La ciudad lo sabe y lo explota, construyendo economías alrededor de la promesa de acceso a la cultura. Las rentas suben cerca de los museos. Las galerías colonizan manzanas. Los artistas llegan, luego se van, desplazados por el mismo valor que ayudaron a generar. Esta es la paradoja cruel: el arte en Nueva York siempre está en riesgo de destruir las condiciones de su propia posibilidad. Lo que comienza como supervivencia termina como marca de lujo. Y sin embargo, cada ciclo deja rastros, capas de expresión sedimentadas en muros, subtes e historias. Todavía se pueden escuchar si se presta atención.
El error sería elegir un solo lado. Decir que el MoMA importa y el músico callejero no, o al revés. Ambos importan. Ambos son Nueva York. La ciudad se alimenta de esa simultaneidad, de esa densidad estratificada donde un multimillonario sale del Met y un pintor callejero vende bocetos por diez dólares al otro lado de la Quinta Avenida. La yuxtaposición no es accidental; es estructural. Nueva York produce sentido forzando a estos mundos a convivir en proximidad. La fricción misma es arte. El insulto de la desigualdad se convierte en el medio. No se escapa: se participa, ya sea pagando la entrada o dejando un dólar en un estuche de guitarra.
Lo que sobrevive del arte en esta ciudad no es la pureza, sino la disputa. Cada muestra, cada mural, cada actuación improvisada es también una afirmación: esto es arte, esto cuenta. El debate mismo es generativo. No se resuelve, se ensaya una y otra vez. Por eso Nueva York es inagotable en su producción. La ciudad nunca resuelve la pelea entre la ópera y el saxofonista del metro, entre los tours corporativos de hip hop y el adolescente rapeando frente a una bodega del Bronx. No puede resolverla, porque esa irresolución es su forma.
Y en esa querella interminable yace una extraña esperanza. Porque incluso cuando la ciudad devora a sus artistas, incluso cuando convierte sus ruinas en marca, la producción no se detiene. Alguien seguirá escribiendo un poema en una libreta dentro del Q. Alguien seguirá pintando un muro de noche, aunque lo cubran a la mañana. Alguien seguirá cantando bajo el arco de Washington Square, su voz elevándose contra las sirenas. Las instituciones surgirán y caerán, los murales se borrarán, los tours se desviarán, pero el arte continuará, insistente, cotidiano y tercamente vivo.